La musica combina generi popolari americani – swing, jump, blues – con modalità esecutive africane, per cui le sezioni ondeggiano dietro al solista come un coro, mentre le armonie e i motivi risentono dei colori dei generi popolari sudafricani come il kwela e il marabi.

The Sharpetown Swingsters sono addirittura stati oggetto di una tesi di laurea poi pubblicata in libro, che ho subito ordinato in Sudafrica, “Their Will to Survive”.

I loro riff incrociati potrebbe provenire dalla Brotherhood, e il loro tremulo, lirico trombettista essere un incerto antenato di Mongezi. Rimpiango che McGregor non si sia portato lo spettacolare trombonista!

I Sophiatown Septet si presentano con una versione africana dello swing per poi passare a una partitura di ispirazione leggermente più moderna, in cui tuttavia le sezioni hanno un sound tutto loro e una sontuosa intonazione microtonale che li farebbe bocciare in qualsiasi corso di jazz.

L’orchestra di pennywhistle Elias and his Zig Zag Jive Flutes (il pennywhistle è il fischio a coulisse usato anche da Armstrong e secondo le note di questo disco derivante da uno strumento africano) guidata da Elias Lerole, fu per un attimo un successo in Gran Bretagna per il tema  ”Tom Hark” della serie TV “Killing Stones” e le case discografiche si gettarono sul genere cercando di capitalizzare. Il sound è basato sui pennywhistle e sulle chitarre, bello per il colore ma a lungo andare poco suscettibile di sviluppi. Forse è musica di quella che il mio amico Louis Moholo chiamerebbe ooga booga, una definizione che non ho mai peraltro ben capito, ma che che viene pronunciata con un certo disgusto.

I Jumping Jacks sono un po’ la stessa cosa, un po’ più statica e armonizzata a coro. Un genere che come i cori sudafricani non mi attira molto.

In questo caso la località visitata è quella immaginata dal chitarrista Ermanno Maria Signorelli, di cui immagino dal “sound” una formazione principalmente classica e che ricordo – colpa mia – solo alla chitarra elettrica per una incisione con la European Music Orchestra cui presero parte tra gli altri Claudio Fasoli e Kenny Wheeler. Dopo l’avevo un po’ perso di vista, e ringrazio Blue Serge per avermi fatto avere questo disco, in cui si dimostra che l’innovazione e la pregnanza del discorso musicale non dipendono dai mezzi usati ma dalle idee che ci stanno dietro e dai musicisti che le realizzano. Devo dire che ho affrontato questo Cd con un pregiudizio positivo, dato che ci suona Ares Tavolazzi: qualunque Cd dove suona Ares non può mai essere del tutto sbagliato, perchè a un certo punto ci sarà un suo solo! (a meno che riescano a non farlo mai sentire).

Signorelli non usa nessun clichè della così detta “chitarra jazz”, ma combina un suono strumentale classico e un’ideale musicale compositivo con un fraseggio del tutto personale e con un atteggiamento di totale apertura verso i suoi compagni di avventura, che reagiscono in modo superbo. Il disco è registrato in modo da restituire l’unità e la compattezza del gruppo, senza artificiali separazioni tra gli strumenti e con il carattere di una esibizione dal vivo; vengono tuttavia valorizzati i timbri degli strumenti – la liquida chitarra di Signorelli, le pastose note di Tavolazzi  e i colori della batteria di Barbieri – senza nessuna tendenza estetizzante. Le evoluzioni vocali con cui il chitarrista si accompagna sono, come dicono gli inglesi, “an acquired taste” : ogni tanto irritanti al primo ascolto, con il tempo entrano a far parte del paesaggio sonoro con un effetto leggermente straniante. Le composizioni non sono tutte di Signorelli, altro segno di un atteggiamento sanamente equilibrato; i brani sono comunque sottoposti a profonde trasformazioni nell’esecuzione, come nell’intenso primo brano, notevole sia per la sua concezione che  per le scelte di arrangiamento e per gli assoli. La musica si svolge con naturalezza e, pur senza lungaggini, a ogni idea viene lasciato il tempo di svilupparsi e sedimentare; anche se naturalmente c’è una voce principale non si evidenza una netta separazione tra solista e accompagnatore, anzi forse i momenti più intensi sono quelli in cui le tre voci improvvisano insieme creando una ricca e fortemente ritmica polifonia, che arricchisce i contenuti melodici, come nel drammatico crescendo verso il finale del secondo brano. Il carattere “mediterraneo” della musica non emerge da banali citazioni o volute somiglianze, ma dall’interno della musica, da una sua speciale luminosità. Insomma, un gran bel disco, detto da uno che deve riconoscere di non aver una particolare passione per la chitarra in sè.

Catalogo La Voce del Padrone Dicembre 1926

Cosa c’è di tanto affascinante in certi documenti dell’archeologia sonora? Nostalgia, certo, le cose che ci sembrano sempre più belle come erano di come sono, mentre magari sono le stesse. Ma da una immagine come questa non è difficile ricavare l’impressione che il disco – sono passati meno di trent’anni dalla sua messa in commercio – mantenesse la sua natura di oggetto prezioso e unico con cui avere davvero un rapporto fisico, assai diversa da quella svalutata che oggi ha la musica registrata. Tutti abbiamo qualche giga di mp3 nel nostro lettore, ma chi può dire di averne ascoltati tanti con il trasporto di questa ragazza? A metà tra apparente ingenuità e gentile erotismo, l’immagine non manca di sottolineare le precauzioni necessarie per il trasporto dei preziosi oggetti, con la paglia che esce dalla scatola, e il dettaglio della presentazione attraverso etichetta e busta – suggerita tra le mani della ragazza e ripresa con più precisione e dettaglio nel disco che emerge dall’imballaggio. All’interno, dopo le novità delll’opera lirica e una incisione dell’Incompiuta, la pubblicità dei Revellers che eseguono Dinah! e I’m Gonna Charleston Back to Charleston, prima dei nuovi titoli di Shilkret, Whiteman e Goldkette…

La qualità tipografica e della carta è tale che si sono perfettamente conservati colori e dettagli, e i grammofoni alla fine del catalogo vengono chiamati “strumenti” sottolineandone la musicalità. Il mio prezioso Modello 101 – di cui ho una versione successiva – viene presentato così: “nelle gite campestri, sulla gondola, in montagna, in villa, o nel vostro studiolo esso vi porta le note allegre della sua bella musica”.

Double Exposure, Wide

Si mette il Cd sul lettore e si sentono le prime note di un pezzo di Herbie Nichols – Double Exposure appunto – cantate dall’inconfondibile voce trombonistica di Roswell Rudd: non posso pensare a miglior invito all’ascolto. Naturalmente non per sminuire i musicisti italiani che accolgono fraternamente Rudd, come nella foto di copertina di Daniela Ledda, bellissima nella sua semplicità. Fassi, Dalla Porta e Manzi assommano tra loro ormai una straordinaria quantità di esperienze musicali, e sentirli suonare con tale divertimento non puo’ che trascinare anche l’ascoltatore. Da parte sua Rudd sembra ringiovanito dall’esperienza – sentitelo duettare con Fassi nel tema di  ”B.Groove”, in cui il trio si sistema con gusto intorno al beat alla fine dell’esposizione per attendere l’ingresso di Roswell che poi si raddoppia e si triplica in “esposizioni multiple”!

Come molti altri titoli di Nichols, anche questo è ironico: la musica di questo pianista e compositore non ne ha avuta neppure una, di esposizioni, malgrado la sua straordinaria qualità e originalità – melodie liriche e cantabili su strutture e basi ritmiche irregolari, senso preciso dell’orchestrazione che – vivo lui – non trovò purtroppo realizzazione concreta dato che i suoi dischi sono praticamente tutti in trio. Steve Lacy, purtroppo ormai anche lui scomparso, faceva parte di quel piccolo gruppo di musicisti che grazie a produzioni europee soprattutto ha cercato quanto possibile di trasmettere l’eredità di Herbie, e questo disco è a loro dedicato con la presenza di Lacy poeticamente evocata da un chorus “vuoto” dentro la sua composizione “Esteem”: all’ascoltatore è lasciato il compito di meditare sul suono di Lacy in questo contesto. Dire che Manzi e Dalla Porta non sono “accompagnatori” ma che interpretano il loro dei loro strumenti in modo contemporaneo, non solo durante gli assoli ma dialogando alla pari con gli altri musicisti, è oramai scontato: importante è rilevare come questa libertà non va mai a discapito dell’integrità ritmica, attraversando i tanti tipi di swing possibile. Senza mai ricorrere alla rigida successione di assoli dopo il tema, il Cd non presenta interruzioni del dialogo musicale, per cui anche i passaggi in cui il riflettore è su un solo musicista vedono il libero interagire degli altri membri del gruppo, diversificando le atmosfere.

A chi fosse interessato ad esplorare la musica di Nichols consiglio di partire dagli originali Blue Note e Betlehem – purtroppo la discografia del pianista si esaurisce in tre o quattro album – e di passare poi alle versioni date dai gruppi riuniti intorno a Lacy e Misha Mengelberg (Change of Seasons), dalla ICP Orchestra (Plays Nichols & Monk) e poi dall’Herbie Nichols Project guidato da Frank Kimbrough e Ben Allison in seno al New York Jazz Composers’ Collective. Il sassofonista James Mahone ha creato una bellissima pagina introduttiva all’analisi dei brani con alcuni spartiti in PDF.

Ma anche chi non sia interessato alla ricerca storica dovrebbe ascoltare questo Cd, per la musica che contiene, ricca di momenti gioiosi e di passaggi meditativi; suonato con entusiasmo ma anche con un sicuro senso musicale che evita lungaggini, e con una fedeltà alle composizioni originali che non si traduce in imitazione, è un disco che si fa ascoltare e riascoltare senza stancare.

Dichiarazione preliminare – sono un fan di Stefano Battaglia da molti anni, ben prima che arrivasse all’ECM – un passo logico per l’etichetta tedesca. Mi piaceva quando suonava in contesti più tradizionalmente jazzistici, mi piacquero i Cd con cui celebrò, per liberarsene, la memoria di Bill Evans, ma soprattutto mi piacciono le sue composizioni e improvvisazioni originali sia in solo che nei vari gruppi che ha creato.

Stefano non ha (più) i riccioli, ma anche quando li aveva non li scuoteva a effetto; ora si rasa, ma non offre nei suoi concerti del Glass riciclato; non è capace a fare l’imitazione di Johnny Dorelli, ma un suo concerto può essere un’esperienza esteticamente ed emotivamente memorabile. Ricordo un duo con Tony Oxley in un parco, un solo in una chiesa a Pisa, e un quartetto intorno alla piscina termale di Bagno Vignoni come momenti, da ascoltatore, esaltanti.

La musica di Battaglia non manca quasi mai di trasmettermi una sensazione di urgenza, di un flusso che deve trovare una via di uscita e che esplodendo come un vulcano o corrodendo lentamente la roccia come un fiume carsico alfine la trova, con un senso di inevitabilità – musica che deve accadere, come un fenomeno naturale.

Da diversi anni sono suo collega a Siena Jazz ed è anche una persona squisita, con cui è facile parlare di qualsiasi argomento storico o d’attualità. Il suo lavoro laboratoriale a Siena, che si aggiunge ai corsi in cui insegna repertorio e tecnica jazzistica, è un esempio unico in Italia e rarissimo a livello mondiale di esperienza formativa in cui la delicata essenza della musica improvvisata non è assediata da una marea di regole, stili e frasi fatte che rischiano di affogarla; non che per questo sia meno rigorosa, anzi di più, perchè non offre scorciatoie. Fatto in silenzio, senza troppa attenzione da parte della stampa, questo lavoro didattico sta influenzando in maniera determinante il mondo jazzistico italiano.

Questo Cd è uno di quelli che nascono proprio dall’esperienza laboratoriale a Siena, in cui Stefano insieme a gruppi di giovani “musicisti” non “insegna” ma mette a disposizione la propria esperienza nell’arte dell’improvvisazione per esplorare insieme un tema musicale o comunque un’idea. Molti tra i giovani jazzisti italiani hanno fatto quest’esperienza e ne sono usciti grandemente maturati, e Stefano ne ha tratto nutrimento per la propria musica: una vera “bottega” con maestro ed apprendisti. Pubblicato dalla sempre interessante Auand con la cura che la contraddistingue per la grafica e per il suono, questo Cd è esemplare del lavoro che Stefano sta conducendo.

I 3Quietmen sembrerebbero un gruppo distante dalle posizioni estetiche di Battaglia: effetti, chitarre elettriche, backbeat rock: e qui i preconcetti portano a conclusioni sbagliate. Il pianista infatti accoglie le idee musicali del trio e le rimanda loro modificate, stimolandoli a cambiarle: il timbro del suo piano acustico attraversa nitido le chitarre distorte e gli effetti elettronici, o risponde alla batteria con ostinati ritmici che trasformano il senso del brano. Come si sarà capito dal titolo, il materiale originale proviene dalle composizioni di Bartok ispirate da ritmi e temi popolari delle aree di cui si è occupato come etnomusicologo,  e qua e là riaffiorano materiali originali, ma siamo all’opposto della “jazzificazione” di materiali classici, operazione addirittura meno interessante di quello della “jazzificazione” delle canzonette; le idee originali hanno attraversato profonde modificazioni e sono rimaste come ispirazione per le elaborazioni musicali originali del trio.

Il gruppo ha una combinazione timbrica solo apparentemente “classica” (trio pianistico più tromba) perchè il modo in cui vengono usati gli strumenti non ha niente della distinzione tra sezione ritmica e solista; al contrario, le interazioni tra i musicisti sono sempre sorprendenti ma quello che impressiona di più è, per tornare all’inizio, come la ricerca dell’essenza della musica riesca a far comunicare mondi all’apparenza distanti, ed essi con l’ascoltatore.